#05 / CONVERSACIONES CONMIGO MISMO

Hola a tod@s!

Solo faltan 24 horas para finalizar esta campaña. Ya hace unos días que conseguimos el objetivo y ¡ayer llegamos a los 100 mecenas! De nuevo, ¡¡¡Gracias!!!

Hoy quería enseñaros una de esas cosas que anotas en tu cuaderno personal para ordenar las ideas, una parte más del proceso creativo que te ayuda a avanzar pero está destinada a permanecer en la sombra. No obstante, tras recibir numerosos mensajes preguntándome sobre diversos aspectos de este trabajo hace unas semanas pensé que sería divertido responder haciendo público este documento tan personal, y lo publiqué en mi página web. Se trata de una entrevista que me hice a mi mismo hace unos meses y que ayuda a descifrar ciertos aspectos de Faraway so close... ¡Espero que me perdonéis este ejercicio un tanto egocéntrico!

¿De qué trata tu nuevo trabajo “Faraway so close”?
“Faraway so close” es el diario de un viaje. Un viaje muy íntimo acompañado de mi hija, que transcurre en el bosque. Un viaje que va y viene entre mi presente y mis recuerdos de infancia, para intentar cohesionar el rol de padre con el de hijo en busca de mi propia identidad.

Se habla muy poco de lo que sentimos al convertirnos en padres. En mi caso supuso un gran terremoto emocional. En un abrir y cerrar de ojos, aquel acontecimiento destruyó la sólida coraza que había ido construyendo a lo largo de toda mi vida, y me convirtió en un ser más frágil y vulnerable. Además, me hizo replantear la relación con mis propios padres, porque no se puede ser padre sin volver a ser hijo... Cinco años más tarde, con los cimientos reforzados y habiendo encontrado nuevos equilibrios, necesitaba entender lo que me había ocurrido y compartirlo a través de la fotografía.

En definitiva estoy hablando de la memoria, de los orígenes, del tiempo, y de la naturaleza física y espiritual de la vida.

¿Porqué transcurre íntegramente en el bosque?

Por su oscuridad y su arraigamiento profundo, el bosque simboliza lo inconsciente, y un espacio mágico ancestral donde conectar con los poderes elementales que en él residen, y reencontrarse con partes desconocidas u olvidadas de nuestra alma. El bosque se convierte así en el territorio simbólico donde resuenan realidades tan lejanas en el tiempo y en el espacio, como cercanas emocionalmente.

Hace poco leí que en Japón combaten el estrés dándose “baños de bosque”. Lo llaman “Shinrin-Yoku” y consiste en dar regularmente paseos por el bosque, dejando que la naturaleza entre por los cinco sentidos. Caminar dejándose inundar por los colores, los sonidos, los olores, las texturas y los sabores del entorno... Quizás, sin saberlo, escogí salir a caminar por el bosque, simplemente porque me hacía sentir bien, me relajaba y me conectaba con aspectos elementales de mi ser.

¿Es cierto que mezclas imágenes aparentemente reales o “encontradas” con otras que parecen manipuladas o “escenificadas”?

En general me interesa explorar los límites de lo ordinario. Además en este caso, el proyecto transcurre inevitablemente en la frontera entre la realidad y la ficción porque gira entorno a la memoria que es tan caprichosa como escurridiza. El paso de los años empuja las verdades hacia el olvido y potencia la imaginación.

Hace muchos años descubrí la psicomagia de Alejandro Jodorowsky y me impactó muchísimo. Al empezar a trabajar conscientemente en este proyecto, realicé algunas acciones en esa línea para luego fotografiarlas. Y claro, eran escenas totalmente premeditadas. Finalmente, ninguna de estas imágenes ha sobrevivido a la edición final del libro. Pero el recuerdo de aquellos ejercicios sobrevoló sin duda sobre otras fotografías, menos explícitas, pero en donde una sutil intervención provoca que te cuestiones si lo que estás viendo está o no manipulado, si es real o imaginario...

Y en definitiva, ¿qué mas da? Lo verdaderamente importante es que cada imagen resuene en el espectador, y genere contenidos y emociones por si misma, independientemente de cómo, porqué y por quién haya sido creada.

Sorprende un cambio formal y conceptual tan grande en relación a tu anterior trabajo “Querido vecino:”. ¿A qué es debido?

Existe un nexo muy fuerte entre ambos y es el tema de la identidad. En “Querido vecino:” trataba de entender quién soy a partir de quiénes me rodean en el barrio donde escogí vivir, una especie de “Dime con quién vas y te diré quién eres”. Con “Faraway so close” sigo buscándome, pero esta vez a partir de mi hija y de mis recuerdos de infancia.

Cada proyecto te exige un montón de decisiones estéticas y narrativas, y al final nuestras herramientas como fotógrafo no son tantas. Básicamente hay dos: dónde sitúas la cámara y cuándo disparas. QUERIDO VECINO: requería una unidad formal muy estricta. Por un lado, el hecho de repetir una y otra vez el mismo tipo de encuadre y el mismo punto de vista, sitúa en un mismo nivel a familias que pese a ser vecinas, tienen realidades socioeconómicas muy diferentes. Y por otro lado, el color refuerza el aspecto “realista” o antropológico del trabajo. En cambio FARAWAY SO CLOSE es un proyecto mucho más abstracto, donde indago en las posibilidades poéticas del lenguaje fotográfico, por lo que me sitúo en un plano formal muy diferente. En ese sentido, la edición y secuenciación de las imágenes ha cobrado mucha importancia, y el hecho de trabajar en blanco y negro potencia la atemporalidad de las imágenes y me ayuda a mezclar recuerdos con vivencias actuales. Es cierto que es un trabajo más difícil de descifrar y no creo que tenga una sola lectura sino tantas como lectores. Yo mismo sigo descubriendo un montón de cosas cuando lo veo y día a día sigue planteándome nuevas preguntas.

La grafía del título es un poco inquietante. ¿A qué hace alusión y porqué aparece escrito a mano y en inglés?

El título es a menudo lo primero que ve el lector en la portada de un libro, o en una reseña, por lo que se convierte en una pista, una herramienta para empezar a descifrarlo.
“Faraway so close” tiene varios niveles de lectura. El primero es el visual, el puramente plástico. El título lo escribió mi hija cuando tenía 4 años (ahora tiene 6) y estaba empezando a aprender a escribir, de ahí la inseguridad de su trazo que convierte las letras en entes irregulares e independientes... Además escribía sobre un papel reciclado, o sea una superficie que ya se usó, que ya tiene una historia a sus espaldas.

La segunda lectura, la más literal, sitúa de entrada al lector frente a una contradicción, un dualismo: “faraway” (muy lejos) junto a “so close” (tan cerca). ¿Qué puede estar a la vez muy lejos y tan cerca. ¿Los recuerdos? ¿Las personas? ¿Las emociones? Aquí ya empieza a quedar claro que el lector tendrá que poner de su parte para descifrar el libro. Esta no será una lectura pasiva sino que exigirá un esfuerzo por su parte.

El tercero es el idioma. Por un lado la palabra “faraway” me remite directamente a los cuentos (in a land far, far away...) y este trabajo tiene mucho de cuento. Y por otro lado, el inglés es el idioma materno de mi hija, por lo que me ayuda a trazar otro puente frente a una nueva y aparente contradicción: ¿la historia está explicada desde mi punto de vista? (tal y como sugieren las fotografías) ¿O bien desde el punto de vista de mi hija? (tal y como sugiere la presentación del título). En realidad, ambos puntos de vista acaban siendo uno solo pues mi hija también simboliza mi propia infancia.

Y finalmente, claro está, también es un guiño a la película homónima de Wim Wenders, de 1993.

¿Eres el músico que hace fotos o el fotógrafo que toca en un grupo?

Tras 15 años publicando discos y dando conciertos por todo el mundo, es inevitable que la mayoría de gente me considere músico. Pero lo cierto es que en este tiempo nunca he dejado de hacer fotos aunque no las haya publicado... En ese sentido, “Querido vecino:” (2014) fue mi primer trabajo fotográfico en forma de libro.

La verdad es que cada vez me importan menos las etiquetas. Quien me conoce sabe que siempre he vivido entregado a los procesos creativos, ya fuesen discos, textos, o series fotográficas. Para lo bueno y para lo malo, no entiendo mi vida sin la creación. Es simplemente una necesidad. Y en definitiva, el soporte o el medio es solo un canal para transmitir ideas y emociones. Cada uno tiene sus particularidades y te ayuda a revelar aspectos diferentes de un universo particular común. En mi caso la música, la escritura y la fotografía han sido siempre actividades complementarias, y en la mezcla de todas ellas espero que se intuya la persona que hay detrás, que se revele mi sentido de la Belleza y mi mirada sobre la Humanidad, con mis luces, mis sombras y todas mis contradicciones.

Y ya para acabar, ¿Cómo se te ocurre entrevistarte a ti mismo? ¿No tiene un punto algo egocéntrico?

Tienes toda la razón... ¡Ha sido un ejercicio totalmente egocéntrico! Pero es que lo más estimulante y los más difícil es siempre formular las preguntas adecuadas. Cuando encuentras una pregunta estás activando un montón de neuronas y empezando a trazar posibles caminos a seguir. ¡Las preguntas son brújulas vitales! Mientras que las respuestas varían de un día a otro y seguramente no sean tan importantes... Por eso trato de cuestionarme constantemente quién soy y porqué hago lo que hago.

De hecho, la idea de esta “entrevista” surge con un álbum de Bill Evans titulado “Conversations with myself” dónde dialoga musicalmente consigo mismo tocando primero un piano, para luego responderse con otro. Además los griegos ya lo tenían muy claro: conversar es la mejor manera de ordenar y hacer crecer las ideas. Así que si un día te despiertas de madrugada con la estúpida idea de entrevistarte a ti mismo, y se te empiezan a ocurrir un montón de preguntas, tal vez no sea una idea tan estúpida sino una oportunidad, y tal vez valga la pena levantarte y empezar a escribirlas...